The Amazing Spider-Man, prévu en salle pour juillet 2012 est un reboot (une remise à zéro) de la franchise déjà exploitée au cinéma par Sam Raimi via trois films dont nous ne ferons pas ici la critique. Une chose est sûre, les fanatiques de l’homme-araignée sont divisés entre pro et anti Sam Raimi et cette projection devait permettre à chaque camp d’alimenter son moulin et éventuellement de réviser ses opinions.

Organisée de manière simultanée dans plusieurs capitales à travers le monde, cette mini projection s’est composée de la diffusion de la nouvelle bande-annonce du film en 3D (maintenant disponible officiellement à la fin de ce billet) ainsi que d’un montage de 8 minutes du film en 2D. Ces huit brèves minutes visaient avant tout à donner un avant gout au public de la direction prise par Marc Webb dans son adaptation de Spider-Man (The untold story aka l’histoire jamais révélée, comme le dit si bien le nouveau poster teaser) et donc d’en révéler un peu plus sur l’histoire du film, gardée secrète.

L’histoire : 

Tout d’abord, je conseillerais à ceux qui ne voudraient rien savoir du synopsis du film de ne pas lire le bloc de paragraphes suivant, qui s’attelle à recoller les différents éléments de l’histoire qui ont été dévoilés.

Bref, dans The Amazing Spider-Man, Peter Parker (Andrew Garfield) est un jeune étudiant assez turbulent et souvent utilisé comme tête de turc par ses camarades. Abandonné par ses parents alors qu’il n’était qu’un enfant, notre futur super héros a été élevé par son oncle Ben (Martin Sheen) et sa tante May (Sally Field). Dans cette adaptation, Peter n’a pas les yeux rivés sur Mary-Jane mais sur Gwen Stacy (interprétée par une Emma Stone bien plus charmante en rousse qu’en blonde – au passage).

© Sony Pictures Releasing France

Le film, qui veut revenir aux sources du personnage, reste donc (sur ce point) parfaitement cohérent avec la BD où Gwen y est également le premier amour de Peter et la fille d’un policier retraité. La jeune fille est brillante, autant que Peter et va donc avoir une liaison romantique avec ce dernier.

Quoi qu’il en soit, l’histoire ne commence réellement que lorsque Peter découvre une mallette comprenant des papiers top-secret appartenant à son père. Désireux de résoudre l’énigme de sa disparition, Peter va remonter la piste de la mallette jusqu’à la société Oscorp et le laboratoire du docteur Curt Connors (Rhys Ifans), l’ancien partenaire de son père.

La suite vous vous en doutez, des recherches génétiques y son menées, Peter, qui possède un esprit aussi brillant que son père, décide d’aider le docteur Connors dans ses recherches, ce qui conduit à la naissance de Spiderman et de son ennemi le Lézard.

Entre Amazing et WTF :

Si beaucoup d’images de ces huit minutes étaient également présentes dans la bande-annonce, elles furent selon moi suffisantes pour annoncer la couleur de ce que nous réserve Marc Webb pour son Spider-Man. Respectant le cahier des charges de Sony avec un homme-araignée plus sombre que celui des adaptations précédentes, Andrew Garfield semble également bien plus à son aise dans le rôle de Peter Parker que Tobey Maguire (désolé pour lui).

La réalisation semble dynamique (même si j’ai conscience que c’était un montage) et les angles de vue utilisés pour les déplacements de Spider-Man semblent également très bien exploités. Andrew Garfield interprète un Spider-Man bien différent de celui de son prédécesseur, plus confiant (peut être trop ?), décontracté mais aussi bien plus bad-ass (côté sombre oblige). Un côté sombre qui, je pense, ne sera pas tellement prépondérant puisque les extraits diffusés laissent entrevoir un certain nombre de répliques comiques (ou qui tentent au moins de l’être).

© Sony Pictures Releasing France

Si ces huit minutes m’ont finalement laissé sur un goût de trop peu (c’est un peu le but aussi, je sais), j’ai également été très déçu par la nature très inachevée des images projetées. A multiples reprises il était possible de voir sans efforts : câbles de soutien, plans entiers sur fond bleu ou encore déplacement de Spider-Man en image de synthèse juste dignes d’un jeu vidéo. Bref, quitte à ne projeter que huit minutes d’un film prévu pour juillet, Sony aurait pu au moins avoir l’obligeance de réaliser un montage ne comprenant que des scènes un peu moins brutes et un minimum finalisées.

Dernier bémol sur le lézard, grand méchant de l’histoire, qui, à la vue de ses brèves apparitions dans cette preview, semblait tout bonnement ridicule. Que les effets spéciaux soient terminés ou non (j’en doute à la vue du reste des images), il est clair que ce méchant risque de nuire grandement à la crédibilité et à l’atmosphère de ce film. Là où Christopher Nolan a réussi avec brio à transposer les super vilains de l’univers Batman dans un monde moderne et réaliste, Marc Webb ose la créature reptilienne en carton patte au risque de se prendre au piège de sa propre toile …

Bref, réponse en juillet prochain.

Merci à Sony et Allociné pour la projection et le t-shirt collector.

Titre original :

Synopsis :
Parce qu’il achète la maquette d’un bateau appelé la Licorne, Tintin, un jeune reporter, se retrouve entraîné dans une fantastique aventure à la recherche d’un fabuleux secret. En enquêtant sur une énigme vieille de plusieurs siècles, il contrarie les plans d’Ivan Ivanovitch Sakharine, un homme diabolique convaincu que Tintin a volé un trésor en rapport avec un pirate nommé Rackham le Rouge. Avec l’aide de Milou, son fidèle petit chien blanc, du capitaine Haddock, un vieux loup de mer au mauvais caractère, et de deux policiers maladroits, Dupond et Dupont, Tintin va parcourir la moitié de la planète, et essayer de se montrer plus malin et plus rapide que ses ennemis, tous lancés dans cette course au trésor à la recherche d’une épave engloutie qui semble receler la clé d’une immense fortune… et une redoutable malédiction. De la haute mer aux sables des déserts d’Afrique, Tintin et ses amis vont affronter mille obstacles, risquer leur vie, et prouver que quand on est prêt à prendre tous les risques, rien ne peut vous arrêter…

On l’attendait depuis les premières images dévoilées sur Internet (que dis-je, depuis l’annonce du projet), l’adaptation cinématographique des aventures de Tintin par le grand Steven Spielberg débarque sur nos écrans mercredi prochain, et pour avoir vu le résultat hier soir, l’attente en valait la peine.

Avant de parler du film en lui-même, un petit retour sur la genèse du projet s’impose. En 1983, peu de temps avant sa mort, Georges Prosper Remi a.k.a Hergé donne son accord à Steven Spielberg pour l’adaptation live de son personnage. Le décès de l’auteur met le projet en sommeil et il aura fallu attendre près de 30 ans pour que le maestro du cinéma reprenne la main avec l’accord des éditions Casterman et les héritiers d’Hergé.

Steven Spielberg souhaitait être fidèle à l’univers et l’esprit de Hergé, voyant ce dernier comme un « cinéaste sans caméra« . Une chose est certaine, les 30 ans de progrès technologiques qui se sont écoulés depuis qu’Hergé a donné son accord à Spielberg, ont fait toutes la différence.

Pour Tintin et le secret de la Licorne, Steven Spielberg s’est tourné vers la technologie de la performance capture, permettant (comme son nom l’indique) de « capturer » le jeu de véritables acteurs et de les transposer sur des personnages fictifs, les rendant ainsi plus vivants. Le résultat est bluffant, jamais je n’avais vu un pareil degré de réussite sur un film d’ »animation ». Les personnages semblent sortir de leurs vignettes et prendre vie à l’écran dans un univers imaginaire, unique, celui d’Hergé.
Les traits des personnages parfaitement respectés rendent naturellement très difficile, voir impossible, de reconnaitre l’acteur qui a prêté ses talents derrière les capteurs (Je n’aurai d’ailleurs jamais deviné qui était le personnage de Gad Elmaleh). Enfin, cette technique permet des choses qui auraient été impossibles à réaliser avec de véritables acteurs live, comme le personnage de Milou, lui aussi parfaitement retranscrit par Spielberg.

Côté casting, le réalisateur n’a pas fait appel à des novices puisque (pour n’en citer que quelques uns) Jamie Bell est Tintin, Andy Serkis est le capitaine Haddock, Daniel Craig est Ivanovich Sakharine et le duo britannique Simon Pegg et Nick Frost interprète nos deux policiers naïfs et maladroits : Dupont et Dupond.

Tintin (Jamie Bell) rencontre le capitaine Haddock (Andy Serkis) – © Sony Pictures Releasing France

Côté scénario, Steven Spielberg a fait confiance à de grands auteurs britanniques pour adapter au cinéma les trois tomes de Tintin qui composent « Le Secret de la Licorne« . D’abord confié à Steven Moffat (Doctor Who, Sherlock), le projet a ensuite été transmis à Edgar Wright (Scott Pilgrim, Hot Fuzz) et Joe Cornish suite au départ de Moffat pour devenir scénariste en chef sur la série Doctor Who (retrouvez d’ailleurs notre interview de Steven Moffat qui nous parlait de son départ du projet lors du Comic Con).

Et c’est avec brio que nos auteurs ont ajouté au Secret de la Licorne des éléments du trésor de Rackham le Rouge et du Crabe aux pinces d’or avec une partie d’invention axée sur le passé des Haddocks. Si les puristes s’offusqueront que plusieurs BD ont été réunis en un seul film, sachez que cela se fait en parfait respect de l’univers de Hergé et qu’il est fort probable qu’il aurait aimé ce film tant Steven Spielberg a parfaitement su lui rendre hommage. L’hommage commence d’ailleurs dès le début du film (attention léger spoiler) avec le personnage de Hergé lui-même, dessinant Tintin sur le marché. Par la suite, les références et les clins d’oeil aux précédentes aventures de Tintin et à l’oeuvre d’Hergé en elle même, s’accumulent tout au long du film dont le rythme, très soutenu, donne l’impression d’être un lecteur dévorant l’histoire sans répit une page après l’autre.

© Sony Pictures Releasing France

Le film se termine ainsi après presque deux heures de pure Tintin sur ce qui laisse présager une suite pour notre héros à houppette. Spielberg avait clairement annoncé son intention de réaliser une trilogie, pour ce personnage qu’il affectionne tant.

Seuls petits bémols, la bande son de John Williams manquant grandement de personnalité (pour une fois) et la 3D, qui encore une fois n’a aucun intérêt. S’il est dommage que Tintin n’est pas eu droit à un thème musical bien à lui (comme Indiana Jones), on pardonnera toutefois ce manque, tant le rythme du film ne laisse pas le temps de se poser des questions ou d’avoir des regrets.

Bref, je ne saurai parler pour les plus mordus des tintinophiles mais j’ai pour ma part, retrouvé avec plaisir l’exaltation du temps où, plus jeune, je découvrais les aventures de Tintin dans la bibliothèque de mes parents, et pour cela, je tiens à féliciter et remercier Steven Spielberg qui a selon moi, su rendre hommage au plus célèbre des reporters et à son auteur.

Synopsis :
A la suite d’un accident de parapente, Philippe, riche aristocrate, engage comme aide à domicile Driss, un jeune de banlieue tout juste sorti de prison. Bref la personne la moins adaptée pour le job. Ensemble ils vont faire cohabiter Vivaldi et Earth Wind and Fire, le verbe et la vanne, les costumes et les bas de survêtement… Deux univers vont se télescoper, s’apprivoiser, pour donner naissance à une amitié aussi dingue, drôle et forte qu’inattendue, une relation unique qui fera des étincelles et qui les rendra… Intouchables.

Si vous êtes un habitué du blog vous aurez probablement remarqué que rares y sont les critiques de films Français. Pas que je n’aime pas le cinéma Français mais il faut bien l’avouer, peu nombreux sont les films qui nous donnent envie de l’aimer. Souvent sans originalité, voir sans saveurs, on y retrouve pour la plupart du temps des acteurs faisant acte de présence dans des histoires assommantes. Seulement voilà, de temps en temps un film arrive, et il nous fait ravaler tous nos vilains préjugés (pas que ce que j’ai dit plus haut soit faux pour autant).

Bref, Intouchables c’est pour faire simple, l’histoire d’un jeune de cité pas hyper motivé et d’un riche aristocrate devenu tétraplégique à la suite d’un grave accident. Alors je sais que dit comme ça, on pourrait craindre l’histoire mélodramatique, mais détrompez-vous car, Intouchables est la comédie la plus drôle et l’histoire d’amitié la plus touchante que j’ai eu la chance de voir au cinéma depuis pas mal de temps.

© Gaumont Distribution

Inspiré d’une histoire vraie (même si une grosse partie a été romancée, notamment concernant le personnage de Driss), le film nous raconte donc la rencontre entre deux handicapés de la vie. D’un côté Driss (Omar Sy), un jeune de banlieue, ayant convenu de profiter du système et des assedic afin de se la couler douce. De l’autre, Philippe (François Cluzet), un riche tétraplégique, coincé dans son fauteuil sans pouvoir profiter des plaisirs de la vie. Philippe, à la recherche de quelqu’un capable de devenir ses bras et ses jambes, va engager Driss, qui n’avait pourtant aucune envie d’obtenir le poste, afin de s’assurer d’avoir auprès de lui quelqu’un qui ne le regardera pas avec pitié et compassion et qui se contentera d’assurer ses fonctions motrices.

Seulement voilà, quand deux personnes ayant des handicaps opposés se rencontrent, ils finissent par se compléter. Le statut social de Philippe au service de Driss, et les membres de Driss au service de notre aristocrate en fauteuil roulant vont engendrer entre nos deux personnages, une alchimie à la fois tordante et touchante qu’il serait dommage de rater.

Omar Sy, bien connu pour le SAV des émissions, se voit enfin offrir un rôle cinématographique à la hauteur de son talent (et qui plus est écrit sur mesure par le duo de réalisateurs Eric Toledano et Olivier Nakache) et François Cluzet, parvient à l’aide de simples regards et mimiques, à faire passer avec justesses les émotions et sa complicité avec Omar.

Avec des répliques et un humour fait sur mesure pour Omar, Intouchables se révèle être une comédie aussi hilarante qu’humaine, la preuve que personne n’est intouchable.

Titre original :

Synopsis :
Dans un futur proche, la boxe a évolué pour devenir un sport high-tech. Charlie Kenton, un ancien boxeur, a perdu toute chance de remporter le championnat depuis que les humains ont été remplacés sur le ring par des robots d’acier de 900 kilos et de 2,40 m de haut. A présent, il n’est plus qu’un manager minable qui utilise des robots bas de gamme fabriqués à partir de pièces de récupération. Il gagne juste assez pour survivre d’un combat à l’autre. Lorsque Charlie touche le fond, il accepte à contrecœur de faire équipe avec son fils Max, qu’il a perdu de vue depuis des années, pour construire et entraîner un champion. Dans l’arène où tous les coups sont permis, les enjeux sont plus élevés qu’ils ne l’ont jamais été. Contre toute attente, Charlie et Max ont une chance, une seule, de faire leur grand retour…

Il y a maintenant près d’un mois, j’ai assisté à l’avant-première du film Real Steel (en présence de Hugh Jackman lui même s’il vous plait !). Real Steel c’est un film au départ (très) librement adapté de « Steel« , la nouvelle de Richard Matheson (oui je sais, les histoires originales se font rares à Hollywood).

Bref, Real Steel se déroule dans un futur proche où les combats de boxe traditionnels sont révolus, les hommes étant été remplacés par des robots sophistiqués. Charlie Kenton (Hugh Jackman) fait partie de ces boxeurs de nouvelle génération qui se tiennent en dehors du ring pour piloter leurs robots dans des combats souvent pas très légaux. Veuf et père d’un jeune garçon dont il n’a pas voulu la garde, Charlie n’est clairement pas le père idéal et va accepter de s’occuper temporairement de son fils afin de résoudre quelques petits problèmes d’argent. Par là suite, Max (son fils) va mettre la main sur un robot boxeur d’ancienne génération dans une décharge et décider de pousser son père à en faire un grand combattant.

Réalisé par Shawn Levy (Crazy Night, La nuit au musée 2), Real Steel est également produit (entre autre) par Steven Spielberg, ce qui, avouons le, fait toujours très bien sur une affiche.

Côté casting, Hugh Jackman et (surtout) le jeune Dakota Goyo (Max) nous offrent de très belles performances tandis que le personnage féminin de l’histoire, interprété par Evangeline Lilly (Lost) fait de son mieux avec, à mon sens, le manque d’intérêt de son personnage. En effet, Real Steel est avant tout l’histoire d’un père, qui n’était surement pas prêt à l’être, et son fils. Nos deux protagonistes vont apprendre à se connaitre, se respecter et finalement (vous vous en doutez) s’aimer tout au long de leurs compétitions de boxe robotique.

© The Walt Disney Company France

Si les combats de robots, très réussies, sont divertissant et parfois même presque violents dans certaines scènes (le film est tout de même réservé aux plus de 10 ans, ce qui est rare pour une distribution Disney), ils ne sont, encore une fois, qu’un élément de fond dans un film axé sur les liens familiaux. Le robot de Max, capable de reproduire les mouvements de son pilote, n’est, selon moi, qu’un prétexte pour en arriver au combat final dont je ne vous dirai rien (Spoilers).

Quoi qu’il en soit, Real Steel reste un film distribué par Disney alors ne vous attendez pas à autre chose qu’une fin pleine de larmes et d’héroïsme (ainsi qu’à quelques scènes de danse de Max façon Justin Bieber). Cette overdose de bons sentiments mise à part, Real Steel reste très agréable à regarder et son rythme ne laisse pas le temps au spectateur de s’ennuyer ou de tourner de l’oeil. Ainsi, si vous êtes à la recherche d’un bon film à regarder en famille (ou même seul) Real Steel ne vous fera probablement pas perdre votre temps et vous laissera avec le sentiment d’avoir assisté à une belle histoire en sortant de la salle, ce qui, au fond, est tout ce qui compte.

En plus d’avoir nettoyé image et son des traces du temps, les studios Disney ont également profité de l’occasion pour sortir une version du film en 3D. Bien qu’il ne soit pas prévu de ressortir le film au cinéma en France, j’ai malgré tout eu la chance d’assister à une projection privée du film dans sa version 3D, l’occasion de savoir si cette version en relief apporte réellement quelque chose à l’original de 1994.

Réponse ? Pas vraiment. Vous le savez certainement si vous lisez régulièrement mes critiques sur ce site, je ne suis pas un grand fan de la 3D. Malgré des efforts incontestables, la 3D ne parvient pas ici à apporter une valeur ajoutée suffisante à l’animation originale. En effet, même si la 3D apporte, il est vrai, un véritable plus sur certaines scènes de part quelques effets fort sympathiques qui facilitent l’immersion du spectateur, ces derniers se montrent trop rares pour faire de la 3D un plus indispensable.

En somme, la version Bluray 3D n’est pas un must-have, mais si la faible différence de prix avec l’édition Blu-Ray 2D ne vous gène pas et que vous êtes équipé chez vous, alors donnez lui une chance, vous pourriez ne pas être déçu.

Bien sûr, cette nouvelle version ne se limite pas à l’ajout de la 3D puisque l’image du film a été retravaillée de sorte que les traits soient plus nets et les couleurs plus vives. Encore une fois, si le résultat est plus qu’appréciable, il n’était pas indispensable tant la qualité d’image de l’époque, faisait, à mon humble avis, partie intégrante du charme du film.

En conclusion, les possesseurs de grand écran et de lecteurs bluray seront probablement ravis de revoir Le Roi Lion dans une version qui profite intégralement des capacités de leurs matériels et ceux qui possèdent déjà le film en DVD et ne voient pas l’utilité d’investir dans une nouvelle copie, ne manqueront pas énormément.

Le Roi Lion est donc désormais disponible en édition spéciale Bluray + DVD, en édition Bluray + Bluray 3D et copie digitale ainsi qu’en édition simple DVD.

PS : Si mon avis ne vous suffit pas, voici un micro-trottoir réalisé par Disney à l’issue de la projection à laquelle nous avons assisté ainsi que la bande-annonce réalisée spécialement pour cette sortie.

Titre original :

Synopsis :
Arizona, 1873. Un homme qui a perdu tout souvenir de son passé se retrouve à Absolution, petite ville austère perdue en plein désert. Le seul indice relatif à son histoire est un mystérieux bracelet qui enserre son poignet. Alors que la ville est sous l’emprise du terrible colonel Dolarhyde, les habitants d’Absolution vont être confrontés à une menace bien plus inquiétante, venue d’ailleurs…

A la vue de la première bande-annonce du film Cowboys & envahisseurs il y a de cela plusieurs mois, j’ai tout de suite été très excité par le projet. Comment ne pas l’être lorsqu’un film dirigé par le réalisateur de Iron Man 1 & 2 réunit James Bond (Daniel Craig), Indiana Jones (Harrison Ford) et la ravissante numéro 13 (Olivia Wild) dans un western de science-fiction opposant cowboys contre extraterrestres.

Le film n’est bien évidemment pas une histoire originale (on est à Hollywood n’oubliez pas) et est en fait l’adaptation d’un roman graphique de 2006. A quel degré le film est-il fidèle à l’oeuvre originale, je ne saurai vous dire car je n’ai pas lu la BD et pour être franc, je ne pense pas que ce soit ici très important.

Bref, Cowboys & envahisseurs c’est l’histoire d’un homme (Daniel Craig) qui se réveille au milieu du désert avec un étrange bracelet au poignet et aucun souvenir de son identité ni de son passé. A la recherche de réponse, notre cowboy peu causant et au crochet du droit assez facile va se retrouver dans la pittoresque ville d’Absolution où les premiers ennuis l’attendent. En effet, il s’avérerait que notre amnésique soit en réalité un bandit recherché pour avoir dérobé une importante quantité d’or au colonel Woodrow (Harrison Ford). Alors que les autorités sont sur le point de l’embarquer, la petite ville se voit attaquer par une menace venue du ciel et de nombreux habitants sont kidnappés par les créatures. Oubliant temporairement leurs différents, Woodrow et notre inconnu vont faire équipe et partir à la recherche des disparus.

Harrison Ford, portant toujours aussi bien le chapeau, interprète donc le colonel Woodrow Dolarhyde ayant un passé douloureux avec les Amérindiens (il faut se remettre dans le contexte de la colonisation) et Olivia Wilde alias numéro 13 joue la mystérieuse Ella dont le passé est également inconnu et qui s’intéresse de très très près à Jake Lonergan (Daniel Craig).

Si l’on était en droit de s’attendre à un cocktail d’explosions et d’effets-spéciaux alors on ne pourra s’empêcher de se sentir un peu floué. En effet, l’action n’est pas si présente que ça et le film souffre de nombreuses lenteurs. L’histoire qui parait pourtant simplissime (des aliens contre des cowboys) se veut en réalité bien plus complexe puisque le film tente d’explorer le passé et les drames personnels de nombreux (trop) personnages. Au final, on se perd un peu et on a beaucoup de mal à s’éprendre de certains dont on se fiche complètement.

Fort heureusement, Harrison Ford reste Harrison Ford et ce, même s’il accuse naturellement le poids des années. Daniel Craig, toujours peu causant et prêt à mettre un terme à la conversation en mode coup de poing, relève le niveau avec ce rôle peut-être un peu trop facile pour lui (on prend James Bond et on recommence). La grosse déception de ce casting provient d’Olivia Wilde qui ne sert vraiment pas à grand-chose mais je ne rentrerai pas dans les détails de son personnage afin de ne pas vous spoiler le film.

Enfin, la palme du ridicule est attribuée aux envahisseurs qui ne sont ni beau ni effrayants (comprendre raté). Même la raison de leur présence sur Terre est à mourir de rire ce qui n’aide pas beaucoup à les crédibiliser. Voir indiens et cowboys unirent leurs forces contre un ennemi technologiquement plus avancé ferait presque sourire si l’on ne savait pas qu’à l’époque, les voleurs de terre étaient les colons (ah douce ironie…). Cowboys & envahisseurs n’est donc pas brillant et ne mérite d’être vu que parce qu’on ne se lasse pas de voir Harrison Ford porter le chapeau (sauf dans Indiana Jones 4).

Titre original :

Synopsis :
Pour Nick, Kurt et Dale, la seule chose qui pourrait rendre le travail quotidien plus tolérable serait de réduire en poussière leurs intolérables patrons. Démissionner étant exclu, les trois copains échafaudent, avec l’aide de quelques verres de trop et les conseils douteux d’un ancien détenu, un plan quelque peu alambiqué, mais infaillible, pour se débarrasser de leurs employeurs respectifs… définitivement. Il n’y a qu’un problème : les plans les plus infaillibles ne le sont qu’autant que les cerveaux qui les ont conçus le sont.

Comment tuer son Boss ? ou Horrible Bosses en version originale est la nouvelle comédie de l’été signée Seth Gordon. Vous ne savez pas qui c’est ? c’est normal, Seth Gordon est principalement connu pour son travail à la télévision sur des séries telles que The Office ou Community. Au cinéma, le réalisateur n’aura jusque ici fait que passer avec la sortie en 2008 du juste passable Tout… sauf en famille.

C’est donc avec une énième comédie surfant sur la vague de succès de Very Bad Trip (je suis d’ailleurs étonné que nous n’ayons pas eu droit – en France – à un titre du type Very Bad Boss » que revient le réalisateur cette année.

Comment tuer son boss ? veut mettre en exergue les frustrations que pourraient ressentir tout employé devant faire face à un patron complètement à l’ouest. Pour cela l’histoire se concentre autour de trois amis souffrant chacun de la tyrannie de leurs supérieurs. Poussant les traits de l’exagération à leur paroxysme, nos trois employeurs se voient dépeints en psychopathe, en nymphomane et en drogué totalement déphasé.

Si le concept prête à sourire, c’est surtout le casting qui fait que ce film vaut la peine d’être vu. Nos trois salariés victimisés par leurs patrons sont en effet incarnés par des grands de la comédie américaine. Ainsi le personnage de Nick est interprété par Jason Bateman que l’on peut voir dans de nombreuses comédies (Paul, Juno …) mais qui reste principalement connu pour son rôle dans la série Arrested Development. Dale est joué par l’hystérique Charlie Day que certains d’entre vous connaissent peut-être déjà pour son rôle de Charlie dans la série « It’s always sunny in Philadelphia » et Kurt est quant à lui incarné par Jason Sudeikis, un régulier de Saturday Night Live.

Mais l’équipe ne s’arrête pas là puisque les comédiens côté employeurs n’ont rien à envier à notre trio. Bobby, le patron toxico de Jason Sudeikis est incarné par un Colin Farrell survolté, Dave Harken, l’employeur psychopathe de Jason Bateman n’est autre que Kevin Spacey (qui se montre très convainquant en dangereux psycho) et enfin (on garde le meilleur pour la fin) Jennifer Aniston joue la nymphomane et sadique tentatrice du pauvre Dale alias Charlie Day (et il en faut du courage pour lui dire non).

Bref, vous l’aurez compris le casting du film est composé de très très lourd et c’est d’ailleurs sur cela que la promotion du film a bien évidemment été axée. On notera également au passage la présence Jamie Foxx dans le rôle d’un ex-détenu peu banal.

Fatigué du comportement odieux de leurs patrons, nos trois amis vont donc prendre la difficile décision de s’en séparer, façon terminator.  Seulement voilà, comme vous pouvez l’attendre de ce genre de films, les choses ne vont pas se passer comme prévu et les plans de nos employés vont rapidement tourner au vinaigre.

Pour finir, si Comment tuer son boss ? est indéniablement doté d’un casting de mini blockbuster façon comédie, le film souffre de nombreuses lenteurs. Les répliques de Jennifer Aniston, vulgaires (mais pas choquantes au vu du personnage) ont probablement causées quelques cheveux blancs à la commission chargée de la censure et aussi bien Colin Farrell que Kevin Spacey se montrent à la hauteur de ce que l’on pouvait attendre d’eux. Comment tuer son boss ? n’est pas une mauvaise comédie mais une comédie prévisible et ça c’est bien dommage car avec une meilleure réalisation et un meilleur scénario, un film sur ce concept et avec ce casting aurait pu aboutir à quelque chose de bien mieux. Quoi qu’il en soit, le tout reste globalement plaisant et il serait dommage de passer à côté de l’occasion de voir réunis à l’écran, autant de poids lourds de la comédie.

Titre original :

Synopsis :
Dans un laboratoire, des scientifiques expérimentent un traitement sur des singes pour vaincre la maladie d’Alzheimer. Mais leurs essais ont des effets secondaires inattendus : ils découvrent que la substance utilisée permet d’augmenter radicalement l’activité cérébrale de leurs sujets. César, est alors le premier jeune chimpanzé faisant preuve d’une intelligence remarquable. Mais trahi par les humains qui l’entourent et en qui il avait confiance, il va mener le soulèvement de toute son espèce contre l’Homme dans un combat spectaculaire.

La planète des singes est une franchise qui ne m’a jamais beaucoup emballé (et ce n’est pas l’horrible reboot de Tim Burton sorti en 2001 qui aurait pu me faire changer d’avis). A l’annonce du tournage d’un prequel de la franchise, je ne m’attendais donc qu’à une ultime tentative de la FOX pour exploiter un peu plus financièrement l’oeuvre de Pierre Boulle (un écrivain français, au passage).

Seulement voilà, entre-temps, une première bande-annonce teaser a débarqué sur la toile et le moins que l’on puisse dire, c’est que les effets-spéciaux étaient très réussis. Bien loin des costumes ridicules de Tim Burton, c’est la première fois que les singes étaient réalisés par ordinateur via la motion capture. Parfait compromis entre technologie et véritable jeu d’acteur, la technologie de la motion capture permet de capturer les émotions du visage humain et de les prêter à un corps de synthèse : ici à des singes.

Ce sentiment positif fût par la suite renforcé lors de la venu à Paris du comédien Andy Serkis, qui interprète César, le leader de la révolution des singes (voir l’article sur ma rencontre avec Andy Serkis). Habitué à la motion capture pour avoir joué entre autre Kong et Gollum, c’est avec émotion que le comédien nous a parlé de son personnage, du travail et des recherches qui lui ont été nécessaires pour dompter son rôle.

D’abord inattendu, La Planète des singes : les origines s’est rapidement placé parmi les films que j’attendais le plus de voir cet été. Bien que Rupert Wyatt ne soit pas encore un réalisateur très connu, le simple fait d’avoir les équipes de Weta Digital (responsables des effets-spéciaux dans Avatar) aux commandes des effets-spéciaux et des acteurs de talents tels que Andy Serkis et James Franco au casting, a suffi à me faire espérer le meilleur de ce projet.

Qui dit prequel implique donc par définition de raconter l’histoire avant l’histoire que nous connaissons tous et donc de savoir comment les singes sont-ils devenus si intelligent et ont-ils réussi à conquérir la planète ?

Le film explique cela par les recherches de Will, un jeune scientifique, interprété par James Franco qui cherche à trouver un remède contre la maladie d’Alzheimer dont est atteint son père. Après des années de recherches et de tests sur des chimpanzés, Will finit enfin par trouver un remède qui fonctionne. Seulement voilà, son virus fonctionne tellement bien qu’il accroît également l’intelligence de la femelle chimpanzé sur laquelle les tests ont été effectués. A sa mort, cette dernière laisse derrière elle un orphelin, César, dont James Franco va prendre soin. Rapidement, ce dernier va montrer des signes d’intelligence sans précédent qui vont le mener à se sentir isoler du reste du monde. S’il est bien connu qu’être trop intelligent n’aide pas à s’intégrer et à trouver le bonheur auprès de ses contemporains, cela redouble de véracité lorsque l’on est le seul de son espèce.

César grandi donc entouré d’humains dont la cupidité et les vices vont bientôt le conduire au raz le bol et à la rebellion. Tiraillé par son intelligence hors norme et ses instincts animaux, César, après s’être senti abandonné par ceux qu’il considère comme sa famille (Franco et son père), va encourager son espèce à prendre les armes.

L’Homme apparait ici clairement comme un être cupide, avide de pouvoir et contrôlé par la bêtise et la peur de l’autre. James Franco et son père malade sont les seuls individus faisant rempart au degré de bêtise dont font preuves les autres personnages comme Steven Jacobs (David Oyelowo), responsable de la société Genesys, qui ne pense qu’au profit.

Si la performance d’Andy Serkis est irréprochable et que James Franco et John Lithgow dans le rôle de son père remplissent parfaitement le cahier des charges de leurs personnages, on peut s’interroger quant à l’absence totale d’utilité de Freida Pinto qui interprète Caroline, la petite amie de Will. Peu développé, son personnage ne semble avoir pour seule vocation que d’assurer la présence d’un personnage féminin à l’écran, ce qui n’apporte pas grand-chose.

Comme expliqué par Andy Serkis, La Planète des singes : les origines, n’est pas un reboot mais bien un prequel au film de 1968 avec Charlton Heston. On notera d’ailleurs avec plaisir les quelques clins d’oeil à l’histoire d’origine avec les flashs info concernant la mission à destination de Mars et la scène où César joue avec une réplique de la statue de la liberté.

Enfin, ce prequel semble annoncer l’arrivée d’un second volet qui sera quant à lui centré sur la manière dont les singes, après avoir pris le pouvoir sur l’Homme, vont organiser leur propre société. Plus qu’un film d’action, La Planète des singes : les origines, est une aventure Humaine où le héros n’est pas Homme mais Chimpanzé. En effet, en enclenchant une révolution, César ne cherche pas à prendre le pouvoir sur l’Homme mais bien à bâtir le monde meilleur que ce dernier ne semble pas capable de réaliser.

La Planète des singes : les origines est donc une oeuvre réussie, aussi bien visuellement que scénaristiquement. Savant compromis entre action et narration, l’oeuvre de Rupert Wyatt nous met en garde contre notre propre nature sans pour autant chercher à moraliser et se révèle comme étant une des bonnes surprises de cet été 2011 au cinéma.

Titre original :

Synopsis :
Captain America: First Avenger nous plonge dans les premières années de l’univers Marvel. Steve Rogers, frêle et timide, se porte volontaire pour participer à un programme expérimental qui va le transformer en un Super Soldat connu sous le nom de Captain America. Allié à Bucky Barnes et Peggy Carter, il sera confronté à la diabolique organisation HYDRA dirigée par le redoutable Red Skull.

Marvel continu d’adapter ses classiques au cinéma et ce en prévision de la sortie l’année prochaine du film The Avengers, regroupant la majorité des super-héros Marvel (Hulk, Iron Man, Thor, Hawkeye, la Veuve Noire et bien sûr Captain America).

Ayant déjà préparé le terrain à la rencontre de ces différents super-héros dans Iron Man 2 et Thor, les studios Marvel, via le réalisateur Joe Johnston (connu pour son travail avec George Lucas et Steven Spielberg) s’attaquent finalement à un des plus anciens héros de l’histoire, symbole du patriotisme américain : Captain America, le premier des vengeurs.

Le film, d’une durée de deux heures, commence par prendre son temps pour explorer l’origine du héros, et c’est une bonne chose. A la différence du très mauvais Green Lantern, la genèse du personnage n’est pas emballée vite fais bien fait en 20 minutes de pellicule et l’histoire du personnage est réellement explorée.

L’histoire se déroule donc en 1941, en pleine seconde guerre mondiale, côté Etats-Unis. Steve Rogers est un jeune patriote qui n’a qu’un seul désir : rejoindre ses amis sur le front et botter les fesses des méchants (ici des nazis bien évidemment). Seul problème, Steve n’a pas réellement la carrure d’un athlète et se voit donc refuser continuellement par l’armée, qui n’a que faire d’un jeune maigrichon sur le front (la rime est involontaire).

Cependant, le courage et la détermination du jeune homme ne passe pas inaperçu aux yeux de tout le monde puisque le scientifique Abraham Erskine (Stanley Tuccci) décide de l’enrôler dans un programme top secret, visant à le transformer en super soldat. Rogers saute sur l’occasion et se voit après injection d’un sérum, transformé en super soldat américain.

Mais comme tous grand héros ne serait rien sans un méchant, tout aussi puissant, les ennuis rattrapent vite le jeune patriote qui se voit confronter à un nazi psychopathe ayant lui aussi bénéficié du même sérum. Cependant, le sérum lui ayant été injecté n’étant alors pas au point, ce dernier fût victime d’effets secondaires lui valant le surnom de Crâne Rouge (Red Skull dans la version originale). Après avoir mis la main sur une arme à la puissance illimitée, Crâne Rouge, à la tête de l’HYDRA (l’organisation scientifique secrète des nazis) décide donc de partir à la conquête du monde, avec pour seul obstacle notre Captain America !

Hugo Weaving dans le rôle de Red Skull (le Crâne Rouge)

Côté casting, tout le monde se montre à la hauteur. Tommy Lee Jones interprète avec aisance le Colonel des forces américaines Chester Phillips (qui se montre d’abord sceptique sur les performances de notre héros en herbe) et Dominic Cooper incarne quant à lui Howard Stark, futur père de Tony Stark (Iron Man). Comme présenté dans les films Iron Man, Howard Stark est dépeint comme un riche industriel et inventeur de génie.
Quant à notre patriote, c’est Chris Evans qui s’est vu désigné pour enfiler la combinaison aux couleurs du drapeau étoilé. Si l’acteur offre une prestation honorable dans son rôle de soldat sans peur ni méchanceté aucune, on saluera tout particulièrement la postproduction nécessaire à transformer notre monsieur muscle en jeune gringalet dans la première partie du film.

Hayley Atwell interprète quant à elle l’officier Peggy Carter qui après avoir participé au recrutement de Steve Rogers, va lui prêter main forte et s’en amouracher. On se réjouira du fait que ce personnage soit une femme forte et de caractère et non une énième demoiselle en détresse dont le rôle se cantonne à crier au secours.

Côté effets-spéciaux, on notera la présence de quelques mauvaises incrustations et d’une 3D apparemment inutile (comme à son habitude). Cependant, je ne fais que reprendre les conclusions d’autres critiques sur ce point puisque la projection à laquelle j’ai assisté était en 2D (et c’est bien suffisant).

Enfin, comme dans presque tous les Marvels, une petite surprise attend les fans après le générique de fin. Comme vous vous en doutez déjà, il s’agit ici d’un court teaser du prochain film The Avengers.

Somme toute, Captain America est une introduction plutôt réussie du personnage. Plus qu’un film de super-héros, Captain America : First Avenger, ressemble davantage à un film de guerre. Ici pas de super-pouvoirs ni de batailles dans l’espace, Steve Rogers n’est « rien » qu’un humain à la force physique décuplé et au métabolisme sur-vitaminé. En revanche, les combats entre forces alliés et nazis sont nombreux et adaptés à la sauce Marvel. Ainsi tandis que les forces alliés se voient dotés d’armes de l’époque, l’HYDRA, dispose quant à elle, de canon lasers capables de pulvériser quelqu’un en un instant, et ce grâce à la source de puissance découverte par Crâne Rouge. Bref, le résultat est intéressant et non déplaisant.

Captain America : First Avenger, sortira dans nos salles obscures le 17 août prochain.

Titre original :

Synopsis :
Dans Cars 2, Flash McQueen, la star des circuits automobiles, et son fidèle compagnon Martin la dépanneuse reprennent la route pour de nouvelles aventures. Les voilà partis pour courir le tout premier Grand Prix Mondial, qui sacrera la voiture la plus rapide du monde ! Mais la route du championnat est pleine d’imprévus, de déviations et de surprises hilarantes, surtout lorsque Martin se retrouve entraîné dans une histoire comme il n’en arrive qu’à lui : une affaire d’espionnage international ! Ecartelé entre son désir d’assister Flash McQueen dans cette course particulièrement difficile et celui de mener à bien une mission d’espionnage top secrète, Martin se lance dans un voyage bourré d’action et une course-poursuite explosive sur les routes du Japon et de l’Europe, suivi par ses amis et regardé par le monde entier. Sur la route, Flash et Martin trouveront de l’action, de l’humour effréné et de tout nouveaux personnages – agents secrets, redoutables méchants et adversaires décidés sur les circuits automobiles…

Les films d’animations issus des studios Pixar sont probablement ce qui se fait mieux en matière d’animation. Emotions, graphismes somptueux, histoires originales, chaque film (suites comprises) parvient à émerveiller petit et grands. Le réalisateur John Lasseter (à l’origine de 1001 Pattes ou encore Toy Story 1 et 2) présent lors de la projection de Cars 2 est clair avec la politique des studios en annonçant qu’aucune suite n’est faite pour l’argent et que chaque film est le rêve, la vision, d’un auteur des studios. Bien qu’ayant jusqu’ici réussi à délivrer des suites à la hauteur des premiers opus (exemple : Toy Story), il faut bien avouer qu’avec Cars 2, le studio a dérapé et en beauté.

Interrogé sur son ressenti vis-à-vis des nombreuses critiques négatives faites sur Cars 2, le réalisateur a su nous redonner brièvement de l’espoir en annonçant qu’à sa sortie, Toy Story, aussi, avait souffert de mauvaises critiques. John Lasseter annonce ainsi être persuadé que Cars 2 est un film qui se verra reconnu avec le temps et déclare ne pas faire de film pour les critiques, mais pour les spectateurs.
Bref, ces jolies paroles auront eu le mérite de me faire espérer un meilleur film que celui décrit par les critiques, mais malheureusement, il n’en est rien.

Si Cars était probablement un des Pixar les moins réussis (à mon sens), Cars 2 est probablement le pire. Ici, Flash McQueen, sa belle Sally Carrera et le reste des personnages sont relayés au titre de personnages secondaires, voir figurants pour certains, et la vedette est attribuée au personnage le plus insupportable de l’histoire du cinéma après Jar Jar Binks : Martin la dépanneuse (propulsé en VO par la voix insupportable de Larry The Cable Guy).

Maladroit et pas très futé, Martin accompagne Flash McQueen dans sa nouvelle course et se voit impliqué malgré lui dans une histoire d’espionnage. La partie moraliste et émotionnelle du film est principalement axée sur la honte qu’éprouve Flash devant la stupidité de son ami et la peine que cela cause à celui-ci. Autant vous dire que cela ne fonctionne pas du tout. Le personnage de Martin est si insupportable que j’en ai été réduit à compter chaque minute me séparant de la fin de la projection, me surprenant à plusieurs reprises à fixer le signe sortie de secours de la salle.

N’ayant qu’une envie : que ce cauchemar se termine, je ne saurai vous dire que la beauté des graphismes ou la mise en scène des scènes de courses poursuites suffiront à vous faire tenir le coup, car c’est un mensonge.  Ne vous y détrompez pas, les graphismes sont réussis, et la pseudo 3D apporte un léger plus dans certaines scènes, mais cela ne suffit tout simplement pas. A aucun moment de ce film de près de deux heures, je n’ai rien qu’esquissé le moindre sourire alors que le court-métrage Toy Story précédent la projection était quant à lui hilarant.

Bref, Cars 2 c’est deux heures d’ennui profond et de supplice devant les pitreries niveau cour de récré d’un personnage aussi insupportable qu’inintéressant : Martin. Pour finir, je tiens à féliciter la dépanneuse dégénéré pour être parvenu à talonner Jar Jar Binks dans ma liste des personnages les plus insupportables et bon à jeter de l’histoire du grand écran.

Même si cela me brise le coeur d’écrire ces lignes, je ne peux, en toute âme et conscience, vous conseiller d’aller voir ce raté de l’animation Pixar, à peine bon à distraire les moins de dix ans. Ni les nouveaux personnages, ni l’histoire d’espionnage, ni la morale sur l’amitié et l’écologie ne parviennent à faire mouche tant ce film manque de la magie, de ce je-ne-sais-quoi, propre à Pixar, qui sait d’habitude faire la différence. Même si le film assurera probablement sa rentabilité au box-office, il reste à espérer que Pixar ressortira grandi de cette grosse claque et reviendra rapidement avec un vrai chef-d’oeuvre. En attendant, une chose est sûre, le 27 juillet prochain, on sabrera le champagne chez Dreamworks afin de célébrer le tant-attendu « faux-pas » des studios Pixar.

Titre original :

Synopsis :
Dans un univers aussi vaste que mystérieux, une force aussi petite que puissante est en place depuis des siècles : des protecteurs de la paix et de la justice appelés Green Lantern Corps, une confrérie de guerriers qui a juré de maintenir l’ordre intergalactique, et dont chaque membre porte un anneau lui conférant des super-pouvoirs. Mais quand un ennemi du nom de Parallax menace de rompre l’équilibre entre les forces de l’univers, leur destin et celui de la Terre repose sur leur dernière recrue, le premier humain jamais choisi : Hal Jordan.
Hal est un pilote d’essai talentueux et imprudent, mais les Green Lanterns ont un peu de respect pour les humains, qui n’ont jamais exploité les pouvoirs infinis de l’anneau auparavant. Hal est clairement la pièce manquante du puzzle et il possède, en plus de sa détermination et de sa volonté, une chose qu’aucun des autres membres n’a jamais eu : son humanité. Soutenu par son amour d’enfance, le pilote Carol Ferris, Hal doit rapidement maîtriser ses nouveaux pouvoirs et vaincre ses peur, pour prouver qu’il n’est pas que la clé pour vaincre Parallax… mais peut-être le plus grand Green Lantern de tous les temps.

Vous l’aurez remarqué, les adaptations de comics et les films de super-héros sont à la mode à Hollywood depuis le succès de Batman Begins et du Dark Knight. Certains sont très réussis comme Thor, X-Men le commencement et bien sûr les Batman de Christopher Nolan, tandis que d’autres sont complètement à côté de la plaque tels Superman Returns et plus récemment, ce premier Green Lantern.

Green Lantern est un super-héros issu de l’univers DC Comics qui ne bénéficie pas d’une aussi grande notoriété que ses camarades Batman et Superman et est donc peu connu du grand public. A l’annonce d’un projet de long métrage, je n’avais aucune attente particulière sur ce film, ne connaissant pas bien la mythologie et l’univers d’où provient ce personnage. Pour rappel, Green Lantern est un héros faisant partie du corps des Green Lantern, une sorte d’escouade intergalactique en charge de protéger l’univers de toute menace. Le pouvoir de chacun des membres de ce corps est assuré par des anneaux, leurs permettant de matérialiser via leurs seule volonté, tout ce qu’ils peuvent imaginer (bouclier, armement etc.)

Bref, lorsque j’ai lu que Ryan Reynolds serait Hal Jordan, notre Green Lantern, je me suis tout d’abord dit pourquoi pas ? L’acteur se débrouille plutôt bien, cela aurait pu devenir intéressant. Malheureusement la première bande-annonce, tel un oiseau de mauvaise augure, est venue semer le doute. Un doute que la projection du film finalisé n’a pas su dissiper puisque le constat est là : Green Lantern est un échec.

Déjà sorti aux Etats-Unis depuis le 17 juin dernier, les résultats d’exploitation très moyens du film (mais suffisant pour rentrer dans les frais) ont conduit Warner à prendre la décision de commander la production d’un second volet, ce qui laisse craindre le pire.

Ce qui ne va pas :

Par où commencer … Tout d’abord, les effets spéciaux. Les effets spéciaux du film sont tout bonnement ridicules. Les 150 millions de dollars injectés tardivement par les studios pour leurs améliorations n’auront pas suffit, le résultat final est atroce, tout est vert, fluo, tel un mauvais jeu vidéo, rien ne parait réaliste. Le costume de Green Lantern entièrement réalisé en CGI est probablement la cerise sur le gâteau.

Le montage du film est quant à lui parsemé de faux-raccords, de plan sans rapport les uns avec les autres laissant parfois le spectateur se demander s’il n’a pas raté quelque chose. Il est parfois tellement difficile de comprendre d’où sort la séquence qui apparait à l’écran que l’on a envie d’aller demander au projectionniste si le film n’aurait pas sauté par accident.

Green Lantern est un super-héros qui, comme dit précédemment, peut matérialiser ce qu’il souhaite pour se battre ou se défendre via sa bague. Ainsi, nos chers scénaristes n’ont rien trouvé de mieux que des voitures de courses, des avions de chasse ou encore des fusils canons géants dignes de la sulfateuse de The Mask. En fait, dans bien des points, ce Green Lantern ressemble à un The Mask se prenant beaucoup trop au sérieux. Après certaines matérialisations, voir notre héros fabriquer des girafes en ballon ne m’aurait pas surpris.

Enfin, comble de ce cauchemar, le film tente de jouer avec le spectateur la carte de l’émotion, en soulignant le triste passé du personnage de Hal, qui a perdu son père (lui aussi pilote) lorsqu’il était enfant. Les scènes de flashback toutes pleines de guimauves auraient peut-être eu un effet sur moi si je n’avais pas en tête, celles de la comédie Hot Shots ou Charlie Sheen souffre du même traumatisme ! Croyez-moi sur parole, cet instant guimauve n’était pas plus convainquant dans Green Lantern que ça ne l’était dans Hot Shots (mais là au moins, c’était volontaire).

Nous conclurons en disant qu’avec Green Lantern, Martin Campbell s’est emmêlé les pinceaux. A vouloir trop en faire, le film s’éparpille. Si Ryan Reynolds, fait, disons, du mieux qu’il peut, la prestation de Blake Lively est aussi incipide que son rôle de demoiselle en détresse et bien-aimée du héros. Les clichés propres au genre tel que le dicton « à grand pouvoir, grandes responsabilités » viennent se mélanger à des morceaux d’histoires sans aucun rapport les uns avec les autres. Certains éléments du film sont oubliés dès les vingts premières minutes et d’autres sont tout simplement bâclés. La naissance d’un héros, d’un grand méchant, l’intégration de Hal à ses camarades Green Lantern, l’arrivée d’une force maléfique, les histoires de coeur et de famille, bref, le tout donne l’impression qu’il manque une bonne heure de film et offre un spectacle indigeste et sans saveur. Un bien triste résultat pour la lanterne verte.

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Synopsis :
Été 1979, une petite ville de l’Ohio. Alors qu’ils tournent un film en super 8, un groupe d’adolescents est témoin d’une spectaculaire catastrophe ferroviaire. Ils ne tardent pas à comprendre qu’il ne s’agit pas d’un accident. Peu après, des disparitions étonnantes et des événements inexplicables se produisent en ville, et la police tente de découvrir la vérité… Une vérité qu’aucun d’entre eux n’aurait pu imaginer.

Super 8 est le fruit de deux génies du cinéma américain : le célébrissime Steven Spielberg et le plus jeune J.J Abrams à qui nous devons déjà entre autre Lost, Alias, Fringe ou encore le film Mission Impossible 3. Dévoilées il y a maintenant un an, les premières images ne montrant que les débris d’un train ayant déraillé et les coups de poing d’un monstre tentant de s’échapper d’un des wagons ont suffi à nous laisser l’eau à la bouche jusqu’à la projection du film.

Ici, on ne parlera pas d’adaptation de comics ni de reboot et encore moins de prequel d’une franchise existente mais bien d’une oeuvre complètement originale, et ça, ça fais déjà du bien. Pour Super 8, J.J Abrams a voulu ramener le spectateur à une époque où le cinéma pouvait faire rêver sans artifices ou décors en 3D : les années 80. Ce retour aux sources et hommage au cinéma de Steven Spielberg, met l’accent sur les personnages et l’importance que détient l’émotion dans un film.

Super 8 n’est pas un film sur une créature en liberté dans une petite ville mais les aventures d’un groupe de jeunes enfants vivant dans une ville où l’armée traque une créature et la nuance est importante. Rappelant fortement le film Les Goonies, l’histoire nous entraine dans les péripéties d’une bande de jeunes enfants ayant pour objectif de réaliser un film amateur. Lors du tournage de leur film, ces derniers se retrouvent au coeur du crash d’un train affrété par l’armée et transportant une créature d’origine inconnue. Cette dernière s’échappe dans l’accident, laissant les enfants en fuite devant l’arrivée de l’armée sur les lieux.

Une des forces du film repose sur son casting époustouflant où la majorité des personnages principaux sont des enfants. Pour choisir ces derniers, J.J Abrams a insisté pour engager de « vrais enfants », peu ou pas du tout connus d’Hollywood plutôt que des enfants star, déjà blasés par le show business. Le moins que l’on puisse dire et qu’il a eu raison puisque les enfants s’en tirent haut la main, notamment Joel Courtney (qui interprète Joe) et la jeune Elle Fanning dans le rôle d’Alice Dainard qui joue si bien la comédie qu’elle vous tirerai la larme à l’oeil.

Comme l’a rappelé J.J Abrams lors de la conférence de presse à laquelle nous avons assisté, la force de Steven Spielberg réside dans le coeur qui est mis dans ses films. Ainsi avec E.T, Spielberg n’a eu nul besoin de sang, de batailles intergalactiques ou de 3D pour marquer une génération. Super 8 privilégie donc l’affecte, en s’intéressant tout particulièrement à la relation du jeune Joe Lamb (qui vient de perdre sa mère dans un accident) avec son père (Kyle Chandler), qui n’est pas encore prêt à l’accepter et avec la jeune Alice, dont l’enfant est amoureux.

Côté visuel, le film n’a rien à envier aux autres blockbuster et à Michael Bay, notamment avec la scène où le train explose qui en met visuellement plein la vie pendant une bonne poignée de minutes. La créature quant à elle, n’est complètement dévoilée que très tard dans le film et ressemble de manière très prononcée à celle de Cloverfield, autre création de J.J Abrams.

Savoureux mélange d’humour, d’action et d’émotions, Super 8 est une bouffée d’oxygène pour les plus nostalgiques ainsi que pour les gens qui, comme moi, sont nés dans la fin des années 80 et dont les films cultes sont Retour vers le futur, Indiana Jones, Jurassic Park, E.T et Les Goonies. Enfin, ce film est la preuve qu’une histoire originale (ici venue de J.J Abrams et proposée à Steven Spielberg) a encore sa place au cinéma si cette dernière est confiée aux bonnes personnes.

Titre original :

Synopsis :
Dans la 2e Partie de cet épisode final, le combat entre les puissances du bien et du mal de l’univers des sorciers se transforme en guerre sans merci. Les enjeux n’ont jamais été si considérables et personne n’est en sécurité. Mais c’est Harry Potter qui peut être appelé pour l’ultime sacrifice alors que se rapproche l’ultime épreuve de force avec Voldemort.

Avis aux fans de Harry Potter, le moment fatidique est enfin arrivé puisqu’après dix ans de bons et loyaux services, le jeune Harry Potter nous tire sa révérence dans un ultime et tant attendu chapitre. Ayant eu la chance de voir ce dernier la semaine dernière en projection presse, je vous propose de découvrir ci-dessous mon humble avis de non-expert (désolé je n’ai pas lu les livres) sur cette clôture de franchise.

Pour rappel, ce huitième film est en réalité la seconde moitié du septième opus (lui-même inspiré du septième livre) sorti en 2010. L’histoire du livre de J.K Rowling avait en effet été jugée trop longue et complexe pour être retranscrite en un seul film de deux heures (et puis au niveau financier, deux films c’était pas mal non plus !).

Cette deuxième partie poursuit donc la quête de Harry (Daniel Radcliffe), Hermione (Emma Watson) et Ron (Rupert Grint) des reliques de la mort, derniers espoirs pour vaincre le puissant Voldemort qui règne maintenant sur le monde des sorciers. Tandis que Voldemort a mis la main sur la baguette de Sureau (la plus puissante de toutes les baguettes), Harry et ses amis sont sur la piste de nouvelles reliques, toutes cachées à des endroits plus surprenants et dangereux les uns que les autres. Bien sûr, Voldemort, qui s’affaiblit à chaque destruction de relique (qui, pour rappel, enferment une partie de son âme), est bien décidé à ne pas les laisser faire. De son côté, Harry, réalise qu’il risque de devoir accomplir un ultime sacrifice pour sauver ses amis du seigneur des ténèbres.

Si la première partie de ce septième film a été critiquée pour son manque d’action (il faut bien amorcer la conclusion après tout), cette seconde moitié se rattrape haut la main puisqu’entre quête des reliques, gigantesque bataille (malheureusement pas aussi poussée que les épiques combats du seigneur des anneaux) et ultime duel entre bien et mal, l’action est définitivement au rendez-vous. En fait, le temps passe si vite que l’on se surprend à regretter que le film ne dure « que » 2h10. Souffrant très peu de lenteurs, cette ultime partie conclura donc l’histoire de notre héros en beauté avec un final explosif mais aussi très touchant.

L’émotion est elle aussi au rendez-vous puisque le film se concentre principalement sur la psychologie des personnages. Tous ne ressortirons peut-être pas indemnes de la bataille contre Voldemort (je ne sais pas, vous verrez bien !), mais quoi qu’il en soit, le sort de nos héros ne vous laissera pas de marbre. Enfin, le passé de Harry est finalement exploré et de nouveaux secrets sont dévoilés. Ces derniers viennent d’ailleurs bouleverser la vision donnée jusqu’à présent de certains personnages et de certaines scènes, les dévoilant au spectateur sous une nouvelle lumière.

Pour faire bref, le film Harry Potter et les reliques de la mort, partie 2 réussi sa mission avec brio en parvenant à conclure une histoire, commencée il y a maintenant plus de dix ans (c’est pas pour nous rajeunir ça !) dans un ultime combat très réussi et – pour certains – dans les larmes et la nostalgie.

Seul bémol, la 3D qui à nouveau, n’a strictement aucun intérêt ni aucun impact (à une ou deux scènes près) sur l’expérience offerte au spectateur. Ce choix purement commercial est donc à sanctionner de votre part, en évitant de perdre davantage d’argent dans un billet dont le prix n’est ici pas justifié, la version classique 2D suffisant amplement.

Bref, voilà, Harry Potter c’est terminé, adieu Harry, Hermione, Ron et même toi Malfoy, rendez-vous prochainement dans ma dvdthèque !

Titre original :

Synopsis :
Enfant, Tommy Popper attendait impatiemment les occasions de parler par radio à son père, un explorateur toujours parti aux quatre coins du monde. Des années plus tard, Popper est devenu un brillant promoteur immobilier à Manhattan. Sa réussite lui a coûté son couple : divorcé d’Amanda, il ne voit plus ses enfants qu’un week-end sur deux. M. Popper mène une vie solitaire et luxueuse dans son appartement ultramoderne de Park Avenue, et il est sur le point de devenir un des associés de la prestigieuse firme qui l’emploie. Mais lorsqu’un matin, il reçoit l’ultime cadeau de son père décédé – un pingouin vivant, sa vie bascule. En cherchant à se débarrasser de l’animal, M. Popper va juste réussir à en récupérer cinq autres. Alors que les adorables bestioles transforment peu à peu son appartement en banquise, M. Popper voit sa vie déraper. Tout va y passer : le contrat de ses rêves, ses relations, sa vie. Mais grâce à six petits pingouins, M. Popper va découvrir que le bonheur peut aussi faire boule de neige…

M. Popper et ses pingouins se présente comme la nouvelle comédie familiale de l’été avec en vedette le génialissime comédien Jim Carrey (oui je suis fan de l’acteur et alors ?). Beaucoup de critiques sur le web ont fustigés le film le qualifiant de décevant, de bancal ou encore d’échec pur et simple, ce qui, à ma conviction, ne porte pas justice à cette comédie.

Tout d’abord, il est nécessaire de remettre les choses dans leurs contextes. M Popper et ses pingouins est une comédie adaptée du roman pour enfant « M Popper et ses manchots » de Richard et Florence Atwater, qui se présente en toute logique comme étant une oeuvre familiale.  Ainsi, le film a donc théoriquement pour objectifs de divertir toute la famille, tout en apportant une morale gentillette (pas trop indigeste si possible) à destination des plus jeunes (c’est un film familial après tout).

Dans le cas de M Popper et ses pingouins, l’histoire tourne autour du personnage de Popper (Jim Carrey) qui s’est quelque peu éloigné de ses rêves et de son innocence (dû ici à l’absence de son père) afin de s’intégrer au « monde des grands » et réussir professionnellement. Suivant une logique égoïste et maladroite, M Popper se retrouve donc à vivre une vie de célibataire aisé après un divorce et deux enfants.
Bien évidemment, cette trame scénaristique classique rappellera sans trop de peine de nombreux autres films du même genre. L’originalité provient ici de l’entrée en scène d’une bande de pingouins. Le père de Popper, avant de mourir, décide en effet de faire parvenir à son fils un dernier cadeau : une caisse remplie de pingouins.

Sans surprise, ces adorables bestioles (filmés en chair, en os mais aussi en images de synthèses) vont chambouler la vie du monsieur et le rapprocher à terme de sa famille. Les pingouins se montrent, il faut l’avouer, très attachants et tout est d’ailleurs fait dans ce but. Comme dans de nombreuses histoires pour enfants, il est fait en sorte que chaque créature rentre dans une case. Ainsi chaque pingouin est caricaturé et à la manière des sept nains, chacun d’entre-eux possède un trait de caractère spécifique et identifiable (maladroit, puant etc.) ce qui n’est pas surprenant pour ce qui est, je vous le rappelle encore une fois, une comédie familiale.

Enfin et sans surprise, c’est la présence de l’acteur Jim Carrey qui fait que cette comédie se distingue de nombreuses autres, aux scénarios similaires. Certes ce n’est pas le meilleur rôle de l’acteur, mais il sait l’interpréter avec justesse. Jim Carrey joue les pères solitaires et désireux de renouer avec sa famille, le tout à la force de son génie comique. S’il est vrai que le film pêche un peu du côté de l’émotion en ne parvenant pas vraiment à toucher le spectateur (ou peut-être un peu grâce aux pingouins), on ne saurait reprocher à Jim Carrey de ne pas avoir su nous provoquer quelques éclats de rire.

En somme, il est vrai que du côté des studios, un tel film pouvait paraitre comme facile (« J’ai une idée ! Et si on faisait une énième comédie familiale mais cette fois avec des pingouins et Jim Carrey !?« ) mais l’ensemble fonctionne plutôt bien et répond en tout cas au cahier des charges préalablement établit. Même si l’histoire est facile et réchauffée, le film se montre drôle et inculque aux jeunes enfants que (surprise, surprise) le travail et l’argent ne sont pas tout dans la vie et que le plus important reste sa famille, bref rien de choquant pour une comédie familiale.

En conclusion, n’étant ni la meilleure comédie de l’année, ni la pire, le film se présente sans autre prétention que d’avoir Jim Carrey en tête d’affiche et parvient malgré tout à atteindre la majorité des objectifs (l’émotion mise à part) liés au genre. C’est pourquoi si vous êtes (comme votre serviteur) un fan de Jim Carrey, que vous êtes père ou mère de famille ou encore que votre cynisme critique n’a pas encore complètement prit le pas sur votre âme d’enfant, je vous recommande de jeter un oeil à M Popper et ses pingouins le 20 juillet prochain dans toutes les bonnes salles de cinéma !

Titre original :

Synopsis :
Un événement mystérieux lié à notre passé éclate au grand jour. C’est la guerre qui menace aujourd’hui notre Terre; une guerre d’une telle ampleur que l’aide des Transformers pourrait, cette fois, ne pas suffire à nous sauver.

L’embargo imposé par Paramount sur le film enfin levé, il est temps pour moi de vous faire part de mon compte rendu de Transformers 3, vu la semaine dernière. Attendu de pied ferme depuis un très décevant second volet, Transformers 3 a, je ne vous le cacherai pas, su répondre à mes attentes avec mention.

Transformers 3 : La Face cachée de la Lune a tout d’abord la particularité d’avoir une histoire et ce contrairement à de nombreuses autres grosses productions Hollywoodiennes. Ainsi, La face cachée de la Lune nous replonge dans un des plus grands moments de l’histoire de l’Homme : le premier alunissage de 1969 et explore une des plus importantes sources de théories du complot : la face cachée de la Lune.

Pour ce faire le film commence par établir qu’à l’époque de la grande guerre entre Décepticons et Autobots, une arme secrète avait été mise au point par Sentinel Prime, le leader des autobots mais que cette dernière fût perdue lors d’une ultime bataille. On apprend alors que le vaisseau transportant cette fameuse arme secrète s’est en réalité écrasé sur la Lune – Sentinel Prime à son bord.

Relevant les traces d’un impact lunaire, les Etats-Unis décident alors de se lancer dans la course à la conquête spatiale et c’est le président Kennedy qui annonce alors au peuple américain que son administration est bien décidée à envoyer un homme sur la Lune (et le faire revenir en bonus).

Se servant de la brève perte de transmission qui eut lieu lors de l’alunissage, le film invente que Neil Armstrong et son équipe étaient en réalité chargé par le gouvernement d’une mission top secrète : ramener des débris du vaisseau écrasé.

Bien des années plus tard, les Transformers découvrent finalement que le gouvernement américain avait connaissance de la présence d’un de leur vaisseau sur la Lune et décident donc d’aller secourir leur leader et leur arme secrète. Bien sûr ceci n’est que le commencement du film et je ne rentrerai pas en détail dans les péripéties et les retournements de situations qui s’ensuivent, histoire de ne pas vous gâcher le film !

Enfin une 3D efficace !

Transformers 3, contrairement aux deux premiers volets, a la particularité d’avoir été réalisé en 3D. C’est James Cameron (Titanic, Avatar) lui-même qui a convaincu Michael Bay de se tourner vers ce nouveau jouet qu’est la 3D pour son film. Pour ce faire Bay a fait appel à la meilleure équipe qui existe actuellement pour ce genre de choses : celle d’Avatar. Le résultat est à couper le souffle et fait réellement plaisir à voir. Loin des « fausses 3D » ou des stratagèmes de studios pour vous faire payer plus cher votre place, la 3D dans Transformers 3 est un véritable plus au style explosif de Michael Bay.

D’une durée de 2h37, Transformers 3 offre un tel enchainement d’actions, d’explosions et de combats que vous ne verrez probablement pas le temps passé. Plus sombre et mature que les deux premiers films, la face cachée de la Lune va plus loin dans la destruction au point d’offrir un spectacle post-apocalyptique sans précédent dans la trilogie avec l’attaque de la ville de Chicago par les décepticons.

Adieu Mégan, bonjour Rosie !

Le grand changement de casting de ce troisième épisode de Transformers est bien sûr le départ de Megan Fox, qui s’est vu remerciée suite à ses propos sur la franchise et son réalisateur (Son existence est d’ailleurs à peine évoquée dans le film, signe de rancune ?). Pour la remplacer, Bay a choisi Rosie Huntington-Whiteley, mannequin pour Victoria Secret. Si l’actrice n’offre pas pire prestation que sa prédécesseur (ce qui n’est pas très compliqué, vous en conviendrez), elle ne fait quand même pas beaucoup mieux. Comme Megan Fox avant elle, la jeune fille se voit cantonnée par le scénario et la réalisation de Michael Bay à jouer la bimbo en détresse.

Shia LaBeouf est quant à lui fidèle à lui-même. Dans le film son personnage se voit frustré de ne pas trouver de travail, ce qu’il trouve absurde pour quelqu’un qui a déjà sauvé deux fois le monde de la destruction au côté de ses amis les autobots. Sa recherche d’emploi sera ainsi l’occasion de rencontrer de nouveaux personnages plus extravagants les uns que les autres comme John Malkovich (qui joue un étrange recruteur) et Ken Jeong, déjà connu pour son rôle de Chang dans Very Bad Trip, qui interprète un personnage tout aussi déluré.

Enfin Patrick Dempsey (Grey’s Anatomy) interprète le richissime Dylan Gould (employeur du personnage de Carly (Rosie Huntington-Whiteley)) mais nous ne vous en révélerons pas plus sur son personnage. Sont de retour les personnages de Josh Duhamel (le lieutenant Colonel William Lennox), Tyrese Gibson (Robert Epps) et John Turturro (Seymour Simmons), le passionné de complot venant de faire fortune grâce à son livre.

PS : Les plus geeks d’entre vous noterons la brève apparition de l’acteur Scott Krinsky (Jeff dans la série Chuck)

Conclusion :

En conclusion, Transformers 3 rempli avec succès son rôle de blockbuster pour garçons : jolies filles, voitures de collection, robots qui parlent, explosions, bref, tout y est pour assurer le succès du film auprès de son public. En y rajoutant plus d’émotions, d’actions, de maturité, de noirceur et de scènes d’actions riches en 3D, Michael Bay a la folie des grandeurs et emmène la franchise Transformers à un tout nouveau niveau d’énormitude !